AN SE EUN

MARIA EZCURRA

ANTONIETTA GRASSI

KIM SIYEON
 

15.01.2025 — 07.03.2025

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Faisant écho aux réflexions majeures de l’écrivaine et féministe australienne Germaine Greer sur les contraintes sociales et patriarcales qui ont longtemps éclipsé les ambitions créatives des femmes, quatre artistes en milieu de carrière, originaires du Canada et de la Corée du Sud, examinent l’entrelacement de l’art, du genre et de l’âge dans une perspective transrégionale, naviguant entre attentes et limitations. Plutôt que de se concentrer sur la discrimination, l’âgisme ou les forces du capitalisme, cet échange met en lumière l’acte persistant de réappropriation et de défi chez ces artistes — une reconquête de l’identité, de la voix et du territoire artistique. Cinquante ans après que Linda Nochlin — éminente historienne de l’art et figure du féminisme américain — ait démontré comment les barrières institutionnelles liées à l’éducation, au mécénat et au conditionnement social empêchaient les femmes d’accéder à une pleine visibilité, les échos de cette exclusion perdurent encore et nourrissent la vision de ces artistes, qui la transforment activement en matière, en geste et en forme.

Travaillant à travers un large éventail de formes et de techniques — peinture, broderie, sculpture, installations in situ et photographie — An Se Eun, Maria Ezcurra, Antonietta Grassi et Kim Siyeon imaginent des modalités qui, tout en étant façonnées par des limitations domestiques et temporelles, en tirent une profonde inspiration, ouvrant ainsi la voie à une réflexion sur la portée politique du geste artistique. La charge des responsabilités, qui laisse souvent peu de temps ou d’espace pour la création, devient la source d’une résilience silencieuse — née de la répétition et du soin. En élaborant leurs œuvres dans les interstices du quotidien, elles révèlent comment ces entraves peuvent finalement se révéler fécondes. L’exposition devient dès lors un espace pour questionner la manière dont l’intersectionnalité du genre, de la classe, de la race et de la sexualité infléchit les conditions de création et de réception — déterminant non seulement leurs pratiques, mais aussi la façon dont elles sont perçues, valorisées et retenues.

Déterminées et inébranlables, ces femmes défient les conditionnements sociaux en refusant de se conformer aux conventions de l’art contemporain, tout en sculptant de fugaces moments de répit — aussi bien littéraux que métaphoriques. Dans ce temps dérobé, elles semblent trouver un apaisement, non pas dans l’achèvement, mais dans le processus — dans le lent déploiement de gestes répétitifs. Leurs œuvres émergent comme des méditations denses et atemporelles : des transfigurations subversives du quotidien, où l’inaperçu est exalté et l’ordinaire devient extraordinaire. Libérées des exigences du marché, elles produisent souvent sans atelier ni pression de délais, leurs œuvres étant nourries par les interactions familiales. Petits, réutilisables, accessibles et peu coûteux, les matériaux et techniques prêts-à-l’emploi ou non conventionnels remplacent fréquemment les médiums artistiques traditionnels.

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Cadavres exquis de Maria Ezcurra présente des figures féminines fragmentées, ludiques et mythologiques — dessinées, cousues et brodées sur des tissus provenant de catalogues de décoration intérieure. Vingt corps, à la fois abstraits et symboliques, émergent de textiles autrefois utilisés comme échantillons de rembourrage. En découpant, cousant et réassemblant, Ezcurra fusionne dessin et broderie, brouillant les frontières entre art et artisanat, public et privé, visuel et tactile. Les figures se défont et se reforment, reflétant le corps féminin comme site et symbole de transformation.

De même, les installations et photographies de Kim témoignent d’une pratique méticuleuse, fondée sur le processus, l’attention et la répétition. Ses sculptures, façonnées à partir de miettes de gomme recueillies lors des leçons d’écriture de sa fille, deviennent des reliques poétiques du labeur maternel — des résidus modestes transmutés en éléments essentiels. En collectant et remodelant des matériaux fragiles, Ezcurra et Kim élèvent ce qui est négligé et féminin, transformant le quotidien en actes discrets de résistance et de renouveau.

Les lignes d’Antonietta Grassi et les textes écrits d’An Se Eun révèlent une sensibilité adaptative — un besoin subconscient de maîtriser par la structure et le rythme. La fragilité des relations contemporaines est au cœur de la série When We Talk About Love de An, alors qu’elle explore les nuances subtiles, souvent imperceptibles, des liens humains. Une simple phrase, répétée comme un mantra et transférée sur une toile selon une disposition particulière, se métamorphose en formes évoquant des objets banals et jetables — tels que sous-verres ou napperons — métaphores de la fugacité inévitable. Ayant vécu aux quatre coins du monde, An déplore l’instabilité de la communication et la déconnexion qui surgit des innombrables rencontres et séparations. Une seule phrase — souvent prononcée, rarement retenue — fait ici écho aux relations modernes, rapides à se former, faciles à se dissoudre.

Les Modulations de Grassi, délibérées et rythmiques, évoquent elles aussi une méditation silencieuse sur la transience. Elle se livre autant qu’elle contrôle. Ses lignes tendues se répètent méthodiquement, s’affinant progressivement jusqu’au vide. L’essence de sa pratique réside non dans l’image achevée, mais dans l’acte soutenu de faire — un rituel de continuité au sein de l’impermanence. Pour les deux artistes, la peinture représente peut-être une forme de réconfort et de résistance : l’incertitude se résout dans la cadence du pinceau. Leurs compositions maximalistes — denses d’éléments modulaires, de tensions chromatiques et de jeux optiques — oscillent entre figuration et abstraction, reflétant un désir commun de trouver un ordre au cœur du chaos.

NOT CONFORMED met en lumière la manière dont ces femmes réaffirment leur pouvoir, en défiant les hiérarchies systémiques qui cherchent à les réduire au silence. Leur art constitue une performance inspirante de résistance, où le domestique devient radical et l’ordinaire, sublime.

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